Esta pesquisa investigou como um professor de música dos anos finais do Ensino Fundamental da rede privada de Macapá/AP organiza a construção dos conhecimentos musicais com seus alunos, analisando as formas de gestão da aprendizagem e os níveis modelados e em ação do currículo. Especificamente, buscou-se: (1) identificar como ocorre a seleção dos conteúdos musicais para as aulas; (2) verificar como o professor modela esses conteúdos em seu planejamento; e (3) analisar as estratégias de ensino mobilizadas para gerir a aprendizagem dos estudantes. A investigação, de abordagem qualitativa, fundamentou-se em Sacristán (2017), ao compreender o currículo como prática social, e em Lück (2019), ao discutir a gestão da aprendizagem como mediação pedagógica intencional e reflexiva, utilizando também a Teoria dos Códigos de Legitimação (LCT) de Maton (2013, 2021) como lente de análise. Os procedimentos metodológicos incluíram análise documental (PPP e planos de aula), entrevista semiestruturada e observação não participante, articulados à construção de constelações, que permitiram evidenciar princípios subjacentes, bases de legitimação e modos recorrentes de pensar e agir no ensino de música. Os resultados apontam que a organização do conhecimento musical é fortemente atravessada pelas influências do campo escolar, como expectativas institucionais, limitação do tempo pedagógico e demandas de visibilidade da disciplina, o que amplia a responsabilidade do professor desde a seleção dos conteúdos e repertório até a regulação do comportamento e do ritmo das atividades. Observou-se uma prática sustentada por rotinas relativamente estáveis e por um direcionamento pedagógico claro, com ênfase em conteúdos técnico instrumentais e notacionais, além do uso de estratégias como fragmentação do repertório, repetição sistemática, orientação contínua e adaptação às condições das turmas, evidenciando formas consistentes de gestão da aprendizagem. Também se identificou a tendência de trabalhar conteúdos semelhantes em diferentes anos escolares, favorecendo a continuidade imediata, porém com riscos de repetição e desinteresse ao longo do tempo. Ao evidenciar como o currículo se materializa na prática, esta pesquisa busca contribuir para ampliar a compreensão das possibilidades, limites e estratégias do ensino de música na escola básica em Macapá/AP, oferecendo subsídios para reflexões formativas e políticas que fortaleçam o currículo vivido da música e promovam uma educação musical mais crítica e significativa.

Esta pesquisa se propõe a investigar a práxis docente de professores de música e sua
relação com a educação musical libertadora. A metodologia proposta se resume em, segundo
definição de Lakatos e Marconi (2003), um estudo de caso como método de procedimento e o
materialismo histórico e dialético como método de abordagem. O principal referencial utilizado
para compreender a práxis e a práxis docente são as contribuições de Vazquez, Pimenta e Tardif.
Os instrumentos de coleta de dados foram quatro observações participantes das práticas dos
professores, uma entrevista semiestruturada com cada um, leitura de referencial bibliográfico
acerca dos participantes e análise de artefatos sonoros produzidos nas práticas. Na análise dos
dados, segundo referencial de Bardin (1997), foram definidos três núcleos de sentido: a práxis,
a humanização e a educação musical libertadora. Cada núcleo de sentido é divido em categorias
que são analisadas utilizando como referencial teórico principal a teoria de Paulo Freire e o
modelo teórico de Flávia Narita.

Esta pesquisa está vinculada ao Programa de Pós-Graduação em Música da Universidade de Brasília, Linha de Pesquisa Processos de Formação em Música, e aborda o tema formação de cantoras de música popular, estudado por meio do conceito de corpo biográfico, de Marie-Christine Josso. Nesse contexto, objetiva-se compreender como o corpo biográfico é significante na formação e performance musical de cantoras de música popular. Deste, desdobram-se os objetivos específicos de 1. Registrar, a partir do conceito de corpo biográfico, de que forma as cantoras participantes da pesquisa se percebem como um corpo musical que carrega marcas sócio-cultural-políticas; e 2. Analisar em que medida essas marcas (de)formam um corpo-mulher-biográfico. Em termos metodológicos a abordagem (auto)biográfica foi norteadora para a realização deste trabalho. Por meio do método histórias de vida operado pelo procedimento biografia músico-educativa, foi possível observar que o corpo biográfico das artistas é significante de múltiplas formas, a saber o corpo-música-cena, o corpo mulher transgênero e travesti, o corpo-artista-cantora, o corpo negro periférico de uma mulher sapatão, o corpo como território, o corpo livre e que nutre o desejo de liberdade, o corpo quilombola, o corpo de ancestralidade, luta e arte e o corpo que dança e celebra a alegria como ferramenta de revolução político-social.

A ópera Alma (1984-1985), de Claudio Santoro (1919-1989), representa a única incursão do compositor no gênero operístico. Baseada no romance homônimo de Oswald de Andrade (1890-1954), a obra marca um ponto culminante na trajetória de Santoro, integrando seu período de Maturidade (1978-1989), fase na qual, segundo Mendes (2009, p. 278), observa-se o “esforço do compositor em fazer convergir para um denominador comum o conjunto dos materiais, técnicas e estilos dispostos ao longo de sua carreira”. Considerando a intertextualidade e a multimodalidade inerentes ao gênero operístico, esta pesquisa propõe uma análise de Alma a partir dos episódios de violência sofridos pela protagonista, uma vez que a violência contra a personagem-título constitui um eixo central da narrativa e da expressão musical. Com base na seleção de oito trechos da ópera que evidenciam essas violências, examinamos como a escritura musical dialoga com a dramaturgia para representar e expressar tais experiências. A metodologia adotada segue uma abordagem interdisciplinar, combinando análise musical aplicada à ópera, estudos sócio-musicológicos e estudos de gênero, fundamentando-se em trabalhos de Abbate e Parker (1989), Drabkin (2014), Clément (1979), McClary (2015), Leriche (2024), Accaoui (2020) e Kerman (1988). Dessa forma, esta investigação contribui para a compreensão da obra de Claudio Santoro, ampliando os estudos sobre a ópera brasileira e fomentando reflexões sobre as dinâmicas de representação da violência de gênero na ópera.

Esta pesquisa investiga como músicos profissionais constroem a gestão de si no espaço digital, especialmente nas redes sociais, à luz da condição biográfica [JA1] na modernidade avançada[JA2] . Os objetivos consistem em compreender os modos de construção da gestão de si nesse cenário; descobrir como esses sujeitos vinculam suas singularidades ao espaço digital; desvelar os processos pelos quais adquirem um capital musicobiográfico[JA3] . A metodologia adotada foi a pesquisa (auto)biográfica, tendo como fonte a entrevista narrativa, com dois produtores de conteúdo musical. A análise esteve centrada na ótica das quatro dimensões analíticas de Christine Delory-Momberger: formas de discurso, esquemas de ação, motivos recorrentes e gestão do topoi biográfic[JA4] o. Os resultados apontam que o conceito de capital musicobiográfico diz respeito ao conjunto de valores que os sujeitos constroem e acumulam ao longo de suas trajetórias musicais. Trata-se de um capital que engloba dimensões simbólicas, afetivas, sociais e econômicas, as quais se entrelaçam às experiências vividas no e pelo fazer musical. A condição musicobiográfica no mundo digital é a de indivíduos que constroem suas histórias de vida com a música, transformando experiências em narrativas performativas em conteúdo musical e no valor de seu capital musicobiográfico.

Esta pesquisa aborda o estudo de uma estrutura musical amazônica, presente no Txanás, Cumbias e Baques, que são definições musicais indígenas da Amazônia sul ocidental, ancoradas no Estado do Acre. Esta linguagem musical se consolidou em contextos regionais específicos: os seringais do Acre, por meio dos Baques de Samba e Marcha, a música selvática de referência peruana, que influenciou a Cumbia Amazônica e a musicalidade dos Txanás, como fenômeno contemporâneo. No primeiro capítulo são apresentadas as informações preliminares sobre os povos e regiões envolvidas com esta musicalidade, e em seguida as revisões bibliográficas sobre os mesmos. Como referência metodológica me embaso sob os conceitos de transportações aplicados por Marlui Nóbrega Miranda, que em proximidade temática, contribuiu na compreensão dos processos desenvolvidos neste trabalho, realizado em 15 anos de pesquisa ação junto a mestras e mestres tradicionais indígenas e seringueiros do Estado do Acre. Como referencial teórico foi utilizada a historiografia indígena acreana, que organiza desde a década de 1980 uma temporalidade histórico-cultural a partir de pesquisas coletivas e geracionais, protagonizadas pelos pesquisadores indígenas. Os dados sobre as práticas musicais levantadas, foram distribuídos conforme a periodização proposta pela historiografia indígena acreana, com o objetivo de apresentar parte selecionada de uma grande quantidade de fontes e referências que foram identificadas. Para análises dos dados a respeito da estrutura musical identificada nas práticas mapeadas, foi realizada uma pesquisa bibliográfica com os principais correspondentes entre as terras altas e baixas, relacionando os Wayñus andinos, as Cumbias selváticas e os Baques de Samba e Marcha. Concluindo a identificação da estrutura musical, foram realizadas análises musicais a partir dos elementos musicais apreendidos com as fontes, que demonstraram suas recorrências comuns em diferentes épocas, espaços e grupos, assim como também as características musicais particulares de seu funcionamento nos aspectos rítmicos, melódicos e harmônicos. Estes elementos esclarescem a existência de uma linguagem e sintaxe musical, proveniente dos povos indígenas da Amazônia sul ocidental, que se adaptou através dos tempos impostos pela colonização e vem indicando caminhos para uma musicologia brasileira que encontre sua ancestralidade.

Na presente dissertação, busca-se investigar fatores relacionados ao timbre dos tímpanos em novas composições contemporâneas orquestrais e camerísticas. A pesquisa considera as possibilidades de ampliação tímbrica dos tímpanos ao analisar quais são os novos recursos ou experimentos propostos pelos compositores no âmbito do repertório moderno. Para tanto, a pesquisa vale-se de uma abordagem bibliográfica e audiográfica, analisando partituras e gravações de peças que apresentam inovações no parâmetro “timbre” e confrontando essas ampliações com as preconizações contidas em alguns manuais de orquestração. Entende-se que a pesquisa aqui proposta contribui para aportar novos conhecimentos no orbe da orquestração e instrumentação, além de oferecer problematizações relativas aos aspectos técnicos envolvidos na interpretação das obras analisadas.

O objetivo geral desta pesquisa foi analisar a utilização das Tecnologias Digitais da Informação e Comunicação (TDIC) da aprendizagem musical na prática coral durante a pandemia de COVID-19 e, em seguida, a mesma prática no retorno presencial, após o período de confinamento em casa. O referencial teórico apresentado na revisão da literatura versa sobre o canto coral, aprendizagem e uso de tecnologia em diálogo com vários autores diferentes. A metodologia adotada foi o estudo multicaso, conforme Bogdan e Biklen (1994), sendo analisados três contextos diferentes de prática coral: um numa escola pública, outro numa empresa privada e o último com um grupo independente, sem vínculo com nenhuma instituição. Na primeira parte, no auge da pandemia, foram aplicadas entrevistas individuais de cada grupo em um questionário Survey com a maioria das perguntas objetivas e algumas outras subjetivas. Após a volta às atividades presenciais, depois do período pandêmico, foram feitas mais entrevistas com respostas por escrito e por áudio e, como resultado final, fizemos uma comparação sobre as apurações encontradas por estas três realidades analisadas do antes e do pós-pandemia e finalmente sugestões para aplicação do uso da matéria Coro Virtual na modalidade a distância.

A presente pesquisa descreve os processos de aprendizagem da clarineta na terceira infância, assim como os fatores determinantes para a construção da aprendizagem instrumental de crianças, levando em conta suas capacidades físicas. A Clarineta em Si Bemol é o modelo tradicionalmente utilizado na inicialização ao estudo do instrumento, seu peso e tamanho são incompatíveis na iniciação instrumental de crianças na terceira infância. Com foco na aprendizagem instrumental e utilizando quatro instrumentos de proporções diversas, propõe-se uma sequência de utilização de forma a atender às necessidades ergonômicas das crianças. Os processos de aprendizagem da clarineta estão relacionados à emissão do som, manuseio do instrumento, equilíbrio e sustentação. Este estudo de caso contou com três participantes que iniciaram seus estudos na clarineta com instrumentos de menores proporções, avançando para clarinetas maiores à medida que suas condições físicas e motoras os permitissem. A análise dos resultados foi realizada a partir das observações de aulas, vídeos e entrevistas. Foi constatada a evolução das crianças no estudo da clarineta e a viabilidade da utilização de clarinetas de tamanhos diferentes durante o ensino do instrumento.

A presente pesquisa objetivou criar um sistema de composição musical com qualidades generativas, integrando game arte, design de jogos e criação algorítmica no processo de criação ou modificação de cenários 2D para videogames. Para isso, realizou-se uma ampla revisão de literatura, abrangendo elementos de música computacional, música para videogames e processos técnicos de criação musical na indústria de software. A seguir, foram desenvolvidas duas ferramentas para análise, gestão e avaliação de sistemas musicais procedurais: o Protocolo de Auxílio à Tomada de Decisão e o Sistema de Análise de Recorrência e Espacialidade em áudios dinâmicos. As ferramentas criadas foram integradas ao modelo composicional e, posteriormente, testadas em um protótipo de jogo digital concebido no âmbito da pesquisa com o intuito de permitir a experimentação dos procedimentos desenvolvidos. O conceito-chave abordado na concepção de músicas com qualidades generativas para videogames foi o de "design de mudança" em um ambiente virtual. Adicionalmente, fez-se uso da inferência causal para o controle desses processos, permitindo maior previsibilidade sobre as composições implementadas com qualidades generativas em jogos digitais. Como resultado, demonstrou-se que qualidades generativas podem surgir a partir da interação simultânea de vários sistemas procedurais em um ambiente virtual. Conclui-se, ainda, que uma visão integrada, que leve em consideração elementos artísticos, programação algorítmica e interatividade, pode contribuir para uma melhor compreensão da construção musical para videogames com qualidades generativas.

Esta pesquisa teve por objeto de estudo as práticas pedagógico-musicais do Núcleo de Música da Unidade de Internação do Recanto das Emas (UNIRE) e sua análise a partir do modelo dialógico de Narita (2014), dos princípios da abordagem musical informal de Lucy Green (2008) e da educação humanizadora e libertadora de Paulo Freire. O objetivo dessa pesquisa foi utilizar o modelo dialógico de Narita (2014) para analisar as ações docentes em práticas musicais criativas baseadas na abordagem musical informal de Green (2008). Realizou-se uma pesquisa-ação em que houve preenchimento de questionários diagnósticos, intervenções pedagógico-musicais, observações dessas práticas musicais, rodas de autoavaliação verbais e escritas, análise de produtos musicais e entrevistas com jovens em cumprimento de medida de internação na UNIRE. Revelaram-se nas interações musicais valores sociais, lúdicos, terapêuticos, dialógicos e humanizadores. A análise dos modos pedagógicos de Narita (2014) revelou mudança gradual de uma dinâmica centrada no professor para uma abordagem mais colaborativa e centrada nos estudantes. Um dos princípios da proposta informal mais significativos para este trabalho foi o da liberdade. Para educadores musicais, este trabalho aponta para a importância de criação de ambientes de aprendizagem que favoreçam a interação e colaboração entre os estudantes; de reconhecimento e valorização dos conhecimentos prévios e das contribuições de aprendizes, de previsão no planejamento da acomodação de interesses e necessidades emergentes de estudantes; da atuação como facilitador e de promoção de oportunidades para que estudantes assumam papéis mais conscientes, e do fomento a reflexões críticas sobre os processos de aprendizagem.

O Programa Nacional do Livro Didático (PNLD) tem provocado a produção de livros para o componente curricular Arte que abordam as quatro linguagens artísticas de maneira integrada: Artes Visuais, Dança, Música e Teatro. Nesse contexto, este trabalho procurou conhecer e analisar o uso que professores de Arte da rede municipal de Juiz de Fora fazem desses livros didáticos nas escolas de Educação Básica em que trabalham. É importante considerar que, após a promulgação da Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (LDB 9394/1996), a formação desses professores passa a ser específica em uma das linguagens, o que pode gerar dificuldades na utilização dos livros distribuídos pelo PNLD. Assim, os seguintes objetivos específicos foram definidos para operacionalizar a pesquisa: a) conhecer as formas pelas quais o componente curricular se materializa na rede municipal de Juiz de Fora, contexto onde os livros são provavelmente utilizados; b) investigar as concepções de ensino de Arte de professores dessa rede municipal; c) conhecer e analisar o uso que esses professores fazem dos livros didáticos de Arte em seu trabalho nas escolas de Educação Básica; e d) conhecer e analisar as opiniões dos professores de Arte a respeito das obras didáticas avaliadas e distribuídas pelo PNLD. Para tal, a pesquisa qualitativa foi caracterizada como um estudo de caso que, para a construção dos dados, utilizou-se de um questionário online, administrado aos professores de Arte em atuação nas escolas municipais de Juiz de Fora, e de entrevistas de aprofundamento com uma professora de Artes Visuais e com uma professora de Música. Apesar da taxa de respostas ao questionário não permitir uma generalização, foi possível traçar um esboço de como os livros didáticos têm sido utilizados nesta rede de ensino. O componente curricular Arte é ofertado de múltiplas maneiras nas diferentes escolas: em uma disciplina de Arte, onde professores especialistas atuam a partir de sua formação em uma das linguagens artísticas; em disciplinas específicas das linguagens artísticas; podendo ser oferecidos, ainda, um ou mais projetos que trabalham com uma dessas linguagens. Os professores de Arte na rede municipal de Juiz de Fora são, em sua ampla maioria, contratados, exercendo cargos temporários em diferentes escolas a cada ano. Dessa forma, a maior parte da amostra que respondeu aos questionários não participam da escolha dos livros didáticos, e não os utilizam em sua prática docente. Alguns professores demonstraram utilizar o livro didático como um dos recursos possíveis, dentre vários outros, para preparar as suas aulas – sempre adaptando de acordo com seus objetivos e com o contexto onde atuam. Nas entrevistas de aprofundamento, pode-se observar que, de fato, a escolha dos livros didáticos dá-se por professores efetivos que, nesse caso, são todos especializados em Artes Visuais ou Educação Artística. As professoras utilizam o livro também como um possível recurso, adaptando suas propostas a partir de suas concepções de ensino de Arte. Essas concepções se baseiam no entendimento da aula como um acontecimento artístico, estruturando-se a partir de experiências que formem e transformem os que por ela são atravessados. A professora de Artes Visuais mostrou-se mais confortável na utilização do livro didático que aborda as linguagens artísticas de forma integrada, o que pode estar relacionado ao fato de que esses livros geralmente privilegiam sua área de formação. Por sua vez, a professora de Música demonstrou utilizar muito pouco os livros, sendo sempre necessário fazer grandes adaptações a algumas propostas que dialoguem com seus objetivos. Os resultados apontam para a necessidade de pesquisas como esta em diferentes localidades do país, de forma a compreender melhor as diferentes relações estabelecidas com as obras didáticas disponibilizadas pelo governo federal. Da forma como os livros estão estruturados, eles parecem favorecer o trabalho de professores formados em Artes Visuais, sendo importante aprofundar os estudos de forma a analisar se outros formatos ou outras lógicas favoreceriam seu uso por outros professores. Todavia, resta clara a importância desse material que, não dirigindo o trabalho do professor, parece estar sendo utilizado como um aliado na prática docente. 

Esta pesquisa teve como objetivo geral compreender de que forma duas mulheres, instrumentistas e professoras de música constroem suas Histórias de Vida com a música. Como objetivos específicos busquei elucidar suas estratégias e caminhos para criar espaços de empoderamento no campo; trazer a visão de si em seu reconhecimento como musicistas empoderadas; entrelaçar essa visão na alteridade de como se dá essa relação com o outro no processo de empoderamento no meio musical. O referencial teórico está fundamentado principalmente no conceito de empoderamento e suas dimensões, trazendo também reflexões sobre a inter-relação entre música e gênero, discutindo a neutralidade da representação feminina na história da música e de que forma as mulheres passaram a ser pensadas como agentes históricos. Os pressupostos teórico-metodológicos se fundamentam na abordagem das Histórias de Vida, referencial este que, por meio da técnica de entrevista narrativa (auto)biográfica, sugere uma ressignificação do vivido por parte das colaboradoras, trazendo um novo sentido à sua historicidade.  As análises indicam forte ligação entre o percurso formativo das colaboradoras e seus processos de empoderamento, sendo suas relações com ensino, aprendizagem e pesquisas no campo da música, seus principais meios de fortalecimento e (auto)reconhecimento neste campo. O próprio ato de narrar, na perspectiva da reflexividade narrativa, é compreendido também como uma forma de empoderar-se, ao localizar quem narra em um papel triplo, como autora, atriz e narradora de sua própria história.

Este trabalho tem como objeto de estudo o projeto de vida com a música de duas cantoras residentes em Brasília. Estabeleci como objetivo geral: compreender nas narrativas autobiográficas de duas cantoras, modos de constituir-se nos projetos de vida com a música. Nesta direção, os objetivos específicos foram: evidenciar como as experiências com a música delinearam os caminhos traçados na configuração de seus projetos de vida; analisar como elas dão sentidos a uma vida projetada com a música; e compreender como elas se reconhecem como cantoras. Para chegar a compreensões e reflexões sobre a proposta desse estudo, a pesquisa (auto)biográfica revelou-se como mais apropriada, fundamentada no conceito projeto de vida de Maria da Conceição Passeggi e Luciana Medeiros da Cunha, baseada na figura do indivíduo-projeto de Christine Delory-Momberger; e dos sujeitos empírico, epistêmico, biográfico de Passeggi e sujeito musicobiográfico de Delmary Abreu. O dispositivo para a coleta de dados foi a entrevista narrativa autobiográfica. No diálogo com as duas cantoras, foram revelados como trilhas indicativas de seus modos de constituir-se com a música: a escolha pela música, a constituição na formação e nas experiências com a música e o reconhecimento que elas fazem de si com a música. Dessa forma, o projeto de vida com a música, se constitui como um processo de ações minúsculas praticadas pelas cantoras no interior de cada contexto, cada palco por onde seu cantar permeia, e também por cada atividade desempenhada com a música. Essas ações vão constituindo as cantoras em profissionais

O presente trabalho nasce em um período de instabilidade e mudanças dentro do processo de ensino, a partir da mudança repentina do modelo de aulas presenciais, em um estilo de ensino mediado por tecnologia. Buscamos trazer uma reflexão sobre como se deu o processo de mudança e como funcionaram as aulas de bateria durante este período, tendendo nosso trabalho na visão dos alunos, sobre a utilização das tecnologias digitais da informação e comunicação (TDIC). O objetivo principal é observar como as TDIC foram utilizadas nas aulas de bateria, no Lócus de pesquisa, o Centro de Educação Profissional – Escola de Música de Brasília (CEPEMB). O trabalho se dá através de um estudo de entrevista, onde foram ouvidos três alunos de diferentes momentos da escola, sendo um aluno que estudou todo o seu curso de forma presencial e concluiu com uma formatura online; o segundo, um aluno que começou de forma presencial e migrou para o ensino online; por fim, o terceiro e último aluno, começou o seu curso já de forma online. Os alunos participaram de uma entrevista semiestruturada onde apontaram mudanças na estrutura física da escola, a importância das TDIC em seu aprendizado como complemento, e uma preferência pelo ensino presencial.

A presente pesquisa, realizada no âmbito de um programa de mestrado acadêmico em música, tem como objetivo investigar como a educação musical tem sido abordada em pesquisas referentes às práticas de canto coral infantil e infantojuvenil. A metodologia consiste na pesquisa bibliográfica com o procedimento de levantamento de teses e dissertações no banco de dados da Biblioteca Digital Brasileira com um recorte temporal entre os anos de 1996 e 2021. Com o panorama histórico do canto coral infantil e infantojuvenil no cenário brasileiro a literatura mostra essa prática no ambiente escolar, no repertório, a concepção de regentes, os benefícios como elemento de socialização e musicalização. A análise descritiva evidenciou o modo como as práticas educativo-musicais no canto coral infantil e infantojuvenil tem se configurado. Os resultados mostram que, nos 13 trabalhos selecionados, embora a prática de canto coral esteja inserida, em sua maioria, no campo da performance, há nítidas contribuições para o fortalecimento de práticas educativo-musicais. A escolha do repertório parece ser a base para ampliar a visão de mundo dos participantes no diálogo com outras culturas. O material de referência a ser utilizado de forma pedagógica pelos regentes e professores de música é um ponto a ser destacado. Outra tendência nas práticas educativo-musicais é a interação social entre os coralistas, possibilitando o crescimento pessoal e grupal, contribuindo para ampliação de mundo, a formação humana e a ideia de pertencimento. Outro aspecto consiste em estudantes se sentirem empoderados no que diz respeito à aquisição de habilidades musicais e experiências artísticas, construídas socialmente com seus pares. Investigar como a educação musical é abordada nessas teses e dissertações é considerar o pensamento de autores que prezam por uma educação de qualidade e que se dá por meio de ações que democratizam os processos de ensino e aprendizagem relacionada às práticas educativas musicais; a utilização de movimentos corporais; a busca de ambiente afetuoso de convivência e inclusão; pela presença de ludicidade e de práticas criativas; pela superação de desafios e busca por soluções e pela formação do regente-educador que sabe integrar conhecimentos musicais, de práticas de regência coral com uma educação musical intencionada em formar pessoas com a música para a vida. Nisso reside o compromisso do regente com a Educação Musical, refletindo sobre o tipo de formação necessária que o licenciando em música necessita para atuar com coro infantil e infantojuvenil em ambiente escolar. A formação profissional compõe um conjunto de saberes, competências e habilidades como regência, técnica vocal e educação musical consolidando a performance com a educação musical no canto coral infantojuvenil.

Nosso objetivo nessa dissertação foi estudar a criação musical aplicada aos jogos digitais, explorando as especificidades técnicas propostas por esse meio. Buscamos reunir e sistematizar as técnicas composicionais aplicadas aos jogos digitais verificadas na literatura didática e acadêmica sobre o tema. Para tanto, realizamos uma análise auditiva da música de Final Fantasy VII Remake, com intuito de observar as relações entre as prescrições da bibliografia revisada e a aplicação destas técnicas e conceitos no jogo. Dessa maneira, foi possível destacar os pontos de convergência, de divergência e de extrapolação entre o sugerido pela literatura e o constatado na análise.

Além de qualificações como advogado, professor de história da música, virtuoso do violino e compositor; Flausino Valle desempenhou um importante papel em Belo Horizonte na primeira metade do século XX. Deixou obras para violino e piano, voz e piano, flauta e piano, coro e violino solo, além de inúmeros arranjos para violino. Seus 26 Prelúdios Característicos e Concertantes para Violino “Só” são uma obra altamente original dentro do repertório violinístico brasileiro, combinando técnica tradicional com temas folclóricos e um uso inusitado do instrumento. Esta pesquisa visa compreender aspectos pedagógicos da técnica de arco da obra de Flausino Valle através da análise técnica dos 26 Prelúdios Característicos e Concertantes Para Violino Só, a fim de fornecer subsídios para uma interpretação musical coerente com as intenções do compositor. A metodologia adotada nesta pesquisa foi a de caráter exploratório, tendo como objetivos específicos: guiar e fornecer orientações sobre a forma de interpretar a escrita de Flausino Valle nos Prelúdios para Violino Só, como aplicar a escrita de Flausino Valle ao violino, com foco na técnica de arco; propor às instituições de ensino musical, escolas de violino, a aplicação de alguns dos Prelúdios de Flausino Valle como parte do programa de formação de violinistas. Conclui-se que a inovação na obra de Valle está presente principalmente no uso e combinação de técnicas instrumentais usadas por ele para reproduzir influências de seu meio social, e seu nacionalismo descritivo se mostra presente em todos Prelúdios para Violino “Só”. Os prelúdios escolhidos pelo autor deste trabalho vão de encontro com a clara intenção de Flausino Valle de introduzi-los academicamente no repertório para formação de jovens violinistas.

A presente dissertação apresenta resultados sobre como ocorre a imitação vocal na aprendizagem musical de crianças de dois anos que frequentam aulas de musicalização. A problemática desta pesquisa surge a partir da dualidade da imitação na aprendizagem musical. Por um lado, ela é entendida como um processo de aprendizagem, por outro lado, uma ação mecanizada que não gera criatividade. O referencial teórico desta pesquisa discute essa dicotomia por meio da Teoria de Aprendizagem Musical (TAM) de Edwin E. Gordon. O autor apresenta três tipos de aprendizagens musicais pelas quais as crianças passam na primeira infância: aculturação, imitação e assimilação. Ele explica que as crianças aprendem música, assim como aprendem a falar. Os modelos de voz cantada, bem como os padrões tonais, são os meios para ensinar a criança a cantar. Tendo em vista estas considerações, a presente dissertação buscou compreender como ocorre a imitação dos padrões tonais de crianças de dois anos em aulas de musicalização. A revisão de literatura apontou que a imitação vocal é uma comunicação entre adulto e bebê que gera sincronia tonal, temporal e afetiva entre a díade. De abordagem qualitativa, esta pesquisa investigou uma turma de musicalização de crianças com idades entre dois e três anos de uma escola de música privada de Brasília/DF, na qual tem sua base pedagógica a TAM. Utilizou-se o estudo de casos múltiplos (Yin, 2001) para cruzar dados de cada caso único, identificando e caracterizando as manifestações musicais e expressivas imitativas dos padrões tonais. Foram utilizadas a observação participante (Gil, 2008), o questionário (Gil, 2008) e a videogração (Carvalho, 2004) como procedimentos metodológicos. Utilizou-se a análise qualitativa de episódios de interação (Pedrosa; Carvalho, 2005) como procedimento analítico. Como resultado, foi identificado que a imitação dos padrões tonais de crianças de dois anos em aulas de musicalização ocorre de diversas formas, especialmente pela imitação recíproca, compreendida como um diálogo imitativo recíproco em que adulto e criança trocam um conhecimento musical de forma mútua. A afetividade é identificada como a base da imitação, tendo em vista os vínculos seguros proporcionados pelos cuidadores e professores de música, os modelos de voz cantada, o contato visual, o direcionamento, a atenção, o engajamento e o silêncio como emergentes da imitação na aprendizagem musical. A imitação recíproca foi identificada como um processo de audiação preparatória, tendo como função a organização e a discriminação dos padrões tonais e rítmicos por meio da interação musical recíproca, potencializando a audiação preparatória da criança. A intencionalidade, o protagonismo, a discriminação dos padrões tonais, a sintaxe musical e a sincronia tonal foram caracterizados como processos de aprendizagem musical por meio da imitação recíproca. A orientação bidirecional do professor de música, potencializa a aprendizagem musical por meio da imitação. Do contrário, a orientação unidirecional, pode estabilizar a aprendizagem musical na imitação.

A pesquisa aqui relatada investigou os processos de Ensino e aprendizagem de violino e viola no ensino remoto emergencial, no âmbito de um projeto social do Distrito Federal, tendo a Teoria da Distância Transacional de Moore (1993) como referencial teórico. Para tal, buscou-se verificar a interação de três variáveis (estrutura, diálogo e autonomia do aluno) da referida teoria dentro do contexto de ensino remoto emergencial, durante a Pandemia de COVID19 no ano letivo de 2020. Foi averiguado como essas variáveis se relacionaram dentro deste contexto, e que resultados foram obtidos por essas decisões pedagógicas e estruturais, na migração do ensino presencial para o ensino remoto emergencial. A metodologia escolhida foi o estudo de caso conjuntamente com a análise de conteúdo. A coleta de dados se deu a partir dos documentos de decisões governamentais, planejamentos organizacionais e pedagógicos, diários de classe, relatórios e entrevistas semiestruturadas com os estudantes. A análise dos dados comparados com as variáveis, forneceram apontamentos acerca das relações existentes entre as escolhas estruturais e as oportunidades de diálogo proporcionadas pelo curso, os dados também demonstram a importância das escolhas pedagógicas em relação à estrutura disponível e o impacto que essa estrutura tem no desenvolvimento da autonomia do aluno e da implementação do curso como um todo. A pesquisa também indica que é necessário o desenvolvimento de competências digitais de docentes e discentes, tanto para o ensino presencial quanto para a Educação a Distância, visto que o ensino remoto emergencial não é uma modalidade de ensino. Para que alunos e professores possam usufruir das TDIC e de todo o potencial que a Educação a Distância tem a oferecer, é preciso incluir práticas colaborativas e digitais no contexto escolar e na educação musical.

O objetivo deste estudo foi identificar como as Representações Mentais podem auxiliar no controle do arco em exercícios técnicos violinísticos. Para Dalagna, Lã e Welch (2013), o fenômeno da Representação Mental é um plano antecipatório da performance musical real, desse modo, a pergunta norteadora deste trabalho é: como as Representações mentais podem auxiliar no controle do arco em exercícios técnicos violinísticos? Para isso, realizamos uma pesquisa bibliográfica, descritiva, com análise de conteúdo e abordagem qualitativa. Além
disso, utilizamos a plataforma Zoom para realizar entrevistas semiestruturadas com sete violinistas profissionais de Brasília (DF), demonstrando exercícios técnicos específicos do controle do arco escolhidos por escolha pessoal com a finalidade de identificar o fenômeno da Representação Mental. O trabalho discute o conceito de Representações mentais; apresentamos controle do arco na percepção da física, e da literatura violinística; propõe analisar e descrever exercícios técnicos propostos por Ševčík (1852-1934), Fischer (1988) e Dounis (1886-1954), que podem oferecer subsídios para a construção de Representações Mentais do controle do arco,
a partir da coordenação do controle muscular, percepção auditiva e compreensão de aspectos técnicos. A metodologia discute a percepção dos violinistas profissionais de Brasília sobre o controle do arco. Os resultados apontam que, mediante a exposição dos exercícios técnicos foi possível identificar Representações mentais dos violinistas, e como esse fenômeno pode contribuir para os processos de formação, seja lembrando, antecipando, criando, recriando, solucionando, etc. Ademais, a pesquisa demonstrou que este fenômeno é epistémico. Os
resultados encontrados nesta pesquisa demonstram a importância da curiosidade epistêmica no próprio processo do desenvolvimento individual, além de contribuir com a junção do ramo da psicologia cognitiva com a música, especificamente Representações mentais do controle de arco de violinistas.

A presente pesquisa tem como objetivo geral compreender como ocorre a inclusão sociodigital de professores de violoncelo que atuam no ensino online.  A partir da revisão de literatura iniciei a coleta de dados por meio de questionário com um grupo com 76 (setenta e seis) professores de diferentes regiões do Brasil via wathssap com objetivo de identificar o perfil de formação de professores de violoncelo que atuam no ensino online e entender como esses professores têm utilizado as TDIC no ensino. A partir dessa coleta selecionei três professores que ensinam em diferentes contextos e realizei entrevistas semi-estruturadas. A análise dos dados identificou o perfil de formação de vinte professores e apontou particularidades de literacia digital, a maioria possui formação superior e todos utilizam TDIC para o ensino. Os dados são discutidos a partir de uma proposta de formação de professores com foco na literacia digital (FIPELD). Os resultados apontam que os professores não tiveram formação direcionada para literacia digital e lidam com as TDIC a partir de suas experiências. A pesquisa também revelou a necessidade de publicações dentro da área de educação musical direcionadas à inclusão sociodigital.

A pesquisa tem como tema o canto popular, tendo como objetivo geral compreender à luz das narrativas de formação, saberes constitutivos da formação em canto popular. O referencial teórico-metodológico utilizado foram os aportes da Pesquisa (Auto)biográfica em diálogo com o campo da Educação Musical. A fonte empregada foi a entrevista narrativa (auto)biográfica. Desta forma, as narrativas (auto)biográficas da cantora e professora de canto popular Dani Baggio apresentaram-se como um dispositivo formativo que, no processo de análise promovem uma relação de vínculo entre as dimensões do sujeito da experiência, epistêmico e (auto)biográfico levando a compreensões dentro do campo da música e da educação musical processos de musicobiografização. Esses saberes constitutivos revelam um potencial para a (auto)formação e essa compreensão de si com o canto popular vai além de competências, concepções, habilidades musicais e técnicas – elas potencializam o acontecimento apropriador revelando também, a figura do professor que tem a intencionalidade de fazer emergir no processo formativo o saber agir ao se escutar.